Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
Las aventuras de Nathan Drake en Uncharted 4 nos lanzan en la búsqueda de Libertalia, una misteriosa ciudad pirata fundada por algunos de los más afamados bucaneros que surcaron los siete mares. El líder era Henry Avery, pero lo cierto es que existieron otros corsarios de renombre como... Guybrush Threepwood.
Así es, el icónico protagonista de la saga Monkey Island hizo acto de aparición en forma de varios guiños a lo largo de la cuarta entrega de Naughty Dog. Su inclusión no es más que una referencia graciosa hacia el personaje, el cual se llama Guy Wood en el videojuego de 2016, y es debido a una buena razón.
Durante una entrevista con VentureBeat, Neil Druckmman confesó que la idea de introducirlo en la obra fue idea suya, pero aquella broma sin malicia podía tener consecuencias imprevisibles.
"Soy un gran fan de Monkey Island. Cuando se presentó la oportunidad de hacerlo, se lo pedí a uno de los artistas conceptuales. Pensé en colarlo, pero luego se corrió la voz de que estaba en el juego. Entonces se me acercaron desde RRHH y me dijeron que teníamos que pedir permiso. No podíamos dejarlo en el juego. Así que pensé, maldita sea, Disney nos obligará a quitarlo. Pero nos pusimos en contacto con Disney y nos dijeron que se sentían halagados, así que podíamos hacerlo. Fue genial".
¿Donde podemos ver al carismático pirata? Aparece en el capítulo 11 en un cuadro que lo muestra de forma realista basándose en su apariencia de Monkey Island 2: LeChuck's Revenge. La bandera que tiene asociada es la de un mono, como no podía ser de otra forma, y también podemos verlo en el capítulo 12 durante un puzle con estatuas de los fundadores. Guybrush, el cual no conoce Sam Drake, está entre ellos.
Lo cierto es que estos secretos a plena vista son más complicados de añadir de lo que podría parecer. Lo mismo sucedió con Crash Bandicoot y el instante en el que podemos jugar una partida en la PS1, motivo por el cual tuvieron que pedir permiso a Activision, propietaria de la IP.
"Al principio nos dieron un no. Estábamos trabajando en otro juego de la vieja escuela por nuestra cuenta. Crash es algo nuestro, pero entonces, de alguna manera, las negociaciones mejoraron y conseguimos el sí".
En VidaExtra | Cómo una queja por Uncharted 4 consiguió que Naughty Dog convirtiese The Last of Us 2 en el juego más accesible de la historia
En VidaExtra | Naughty Dog, corazón de aventureros
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
- Aviso: spoilers del final de Red Dead Redemption 2
La capitulación de la historia de Arthur Morgan no es el auténtico final de Red Dead Redemption 2. Como sabéis, después vienen varias horas de epílogo con John Marston, que sirve como puente entre ambos videojuegos. Si bien el final de Arthur es muy dramático y nos hizo llorar a todos, la cosa cambia mucho con John.
Abrirnos paso por las montañas nevadas al ritmo de los tiros y el tema American Venom es uno de los momentos más épicos de Red Dead Redemption 2, especialmente porque lo hacemos con todo el veneno de saber que vamos en busca de los malnacidos que mataron a Arthur.
La mayoría llegamos a la base de Dutch y matamos a Micah de un disparo al pecho o a la cabeza, quizás en la entrepierna, con el revólver o el rifle. El malnacido se tambalea antes de caer de bruces al suelo, muerto. Sin embargo, algunos jugadores descubrieron que la escena puede ser mucho más macabra y épica: utilizando el arco para dispararle a la cara una flecha explosiva o de dinamita. ¡Y añadimos otros cuantos!
Los jugadores se han puesto creativos a lo largo de los años para matarlo y, como podéis ver en los vídeos que hay justo arriba, han probado diferentes métodos no convencionales: un Tomahawk en la cara, una flecha normal en la frente, volándole la cabeza con una escopeta y otras tantas. Admitamos que todas estas opciones son mucho más épicas que meter un simple tiro... aunque hay que ser un poquito bestia para descubrirlas.
Fuente | Imagen principal
En VidaExtra | La vida secreta de los seres humanos en Red Dead Redemption 2: cinco años después nos sigue sorprendiendo
En VidaExtra | Red Dead Redemption 2 es mucho mejor que cualquier película western y estas escenas brutales son la prueba. ¡Y sin Dead Eye!
En VidaExtra | Red Dead Redemption 2 cumple cinco años: aquí tenéis cinco momentazos inolvidables que lo convirtieron en leyenda
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
No es muy habitual reimaginar el mundo de 'Star Wars' como una película de terror, aunque es cierto que desde hace años los entornos vacíos y silenciosos de las naves espaciales y el infinito desconocido que es el espacio exterior nos han habituado a esperar que las historias de ciencia ficción tengan un lado tenebroso. De hecho, aspectos de 'Star Wars' como el Lado Oscuro o sus (a menudo) aterradores y deformes villanos juegan con el punto terrorífico que tiene toda aventura de ciencia ficción.
Sin embargo, 'Deathtroopers' aprieta el acelerador en ese sentido: el desarrollador Stefano Cagnani parte de un libro de Joe Schreiber que nos recuerda que en materia literaria sí ha habido más incursiones en el horror espacial de 'Star Wars', como la serie juvenil 'Galaxy of Fear'. En cualquier caso, el videojuego basado en este libro de 2009 tiene dos episodios, ambos descargables de forma gratuita en itch.io.
En el primero de ellos deambulábamos por la Estrella de la Muerte como un Stormtrooper que se enfrentaba a oleadas de tropas de asalto no-muertas, e incluía la aparición de un conocido villano de la franquicia completamente zombificado. En el nuevo capítulo, The Outpost, estamos en la luna de Endor, donde hay que localizar una vieja base abandonada de los Rebeldes. Y también nos encontraremos con fauna muy reconocible del planeta.
La mecánica del juego, como es obvio dada la modestia del proyecto (que, no obstante, usa como motor el Unreal 5), es muy sencilla: disparos en tercera persona abatiendo una oleada de tropas zombi una tras otra. Pero el resultado es contundente y misterioso, y tiene hallazgos de atmósfera muy valiosos. Una pena que, a diferencia de los tiempos en los que apareció el libro original, cuando el Universo Expandido estaba dando sus primeros pasos, sea impensable ver más historias como esta en un juego oficial.
En Xataka | Aunque suene extraño que la primera 'Star Wars' sea el 'Episodio IV', Lucas tenía un buen motivo para hacerlo de este modo
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
No hay nadie que haya visto Neon Genesis Evangelion y no haya sentido un golpe emocional tremendo. El anime de Gainax es un sesión de psicología camuflada con una buena dosis de ciencia ficción que dejó patente la potensísima calidad visual que atesoraba el estudio japonés. Las batallas entre los Ángeles y los propios Evangelion son una buena muestra de ello.
Aquello sucedió en 1995, pero no fue hasta 1984 cuando la empresa se asentó con Hiroyuki Yamaga, Toshio Okada, Yasuhiro Takeda, entre otros, como fundadores de uno de los pilares de la animación nipona. Komatsu Sakyo Anime Gekijou y The Chocolate Panic Picture Show fueron algunos de los primeros proyectos que pusieron en marcha, pero lo cierto es que el talento que tenía el grupo se demostró todavía antes.
Fue concretamente en 1981 cuando los estudiantes universitarios de la Universidad de Arte de Osaka se unieron para crear un corto de apenas cinco minutos para la XX Convención Anual Nacional Japonesa de Ciencia Ficción. Aquel evento se celebró en Osaka y era conocido como Daicon III, motivo por el cual se nombró de la misma forma al proyecto que crearon Hideaki Anno, Hiroyuki Yamaga y Takami Akai. A pesar de su inexperiencia, se atrevieron a probar la técnica de animación con cel para la secuencia introductoria y contaron con la ayuda de voluntarios del evento. Aquí tenéis el resultado:
Un excelente trabajo que muestra a una niña que vive una curiosa aventura en la que se encuentra con robots, seres extraños y concluye con un viaje espacial a bordo de una nave intergaláctica, la cual surge de regar un rábano daikon propio de Japón. Una buena primera toma de contacto que se volvió a repetir en 1983, pero esta vez sumando los esfuerzos de Yoshiyuki Sadamoto y Mahiro Maeda para asombrar al mundo.
Durante ese año de espera todos los estudiantes trabajaron en Super Dimension Fortress Macross, un anime de corta duración estrenado en aquel año. Sus capacidades habían mejorado notablemente y aquello quedó patente en la XXII Convención Anual Nacional Japonesa de Ciencia Ficción, la cual adquirió mayor fama por llamarse Daicon IV. Tal y como podéis ver a continuación, estamos hablando de un producto único en su género.
Daicon IV comienza con un perfil bajo, reutilizando las imágenes del Daicon III, pero superados los 90 segundos vemos el nuevo corto propiamente dicho. La niña ha crecido hasta convertirse en una adulta que lleva el clásico atuendo de conejita Playboy y la fantasía reluce constantemente. Tiene un duelo de espadas láser contra Darth Vader, sufre la explosión provocada por un Alien que porta la Discover I de 2001: Una odisea en el espacio en sus manos y comienza a surcar los cielos encima de la espada fantástica Stormbringer.
Todo ello sucede en apenas unos segundos y las referencias, guiños y easter eggs no dejan de llover en una cascada imparable en pantalla. Los Power Rangers, Doraemon, Spider-Man, Superman, el Halcón Milenario y una retahíla casi inabordable aparece acompañada por Twilight, el tema del grupo inglés Electric Light Orchestra. Daicon IV se ganó tantísimo el aplauso del público de la feria que ganó el premio Animage Grand Prix concedido por la revista japonesa especializada en animación Animage y Bandai les confió un proyecto histórico.
Concretamente para Royal Space Force: The Wings of Honnêamise, una película que se convirtió en la más cara de producir hasta aquel momento en la industria, ya que costó 800 millones de yenes, lo que equivale a unos 15 millones de dólares actuales. Esa es la fe que mostró la empresa ante semejante hazaña visual que consiguieron, la cual ignoraba totalmente cualquier respeto a los derechos de autor. Fue apenas el día anterior cuando Daicon IV estuvo listo para su proyección y todo el trabajo se llevó a cabo en un edificio propiedad de un sindicato textil.
No consiguieron el beneplácito de DC, Marvel, Disney y ninguna compañía extranjera, pues no se creía que Daicon IV tendría semejante repercusión. La idea era aunar todo el conglomerado de imaginario pop y otaku para condensarlo en unos minutos y se aprecia la diferencia de trato respecto a la cultura occidental. Evidentemente, todos eran mucho más conocedores del ocio japonés y por eso las referencias a iconos del otro lado del mundo son más genéricas, con apariciones de fondo y más directas, salvo excepciones.
Sin embargo, esa falta de acceso a licencia alguna ha repercurtido en que no exista ninguna versión oficial hoy en día. Con todo, en 1988 sí que se consiguió publicar en formato físico para LaserDisc un disco que reúne tanto Daicon III como IV, incluyendo extras como ilustraciones y el relato acerca de la producción. Las unidades actuales son muy limitadas y es normal que se hayan llegado a pagar 1.020 dólares en marzo de 2024 por una copia.
Gainax se formó como empresa con el fin de tener un paragüas bajo el que refugiarse al dar forma a Daicon IV y a partir de ese momento las alegrías de Yoshiyuki Sadamoto, Mahiro Maeda Hideaki Anno, Hiroyuki Yamaga, Takami Akai y compañía no pararon de aumentar.
En VidaExtra | Anime temporada de primavera 2024: Kimetsu no Yaiba, Boku no Hero Academia, Kaijuu 8... todo lo que debes saber sobre los estrenos primaverales más esperados
En VidaExtra | La comunidad de dibujantes y artistas se despide del gran maestro del manga y el anime Akira Toriyama
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
Aquellas personas que se dedican al hackeo en muchas ocasiones no tienen porque tener ya un fin delictivo, sino que pueden acabar contrarrestando los ataques que otros mandan contra un organismo concreto. De este modo las empresas siempre quieren a los mejores hackers dentro de sus plantillas, ya que esto les garantiza la mayor seguridad posible. Es por ello que sin duda la historia de un hacker de 22 años que tras hackear los sistemas de Apple acabó contratado para hacer todo lo contrario es digna de contar
El protagonista de la historia, Kerem Albayrak, no siempre tuvo buenas intenciones tal y como demostró en los juzgados. Precisamente fue condenado por atacar a los sistemas de iPhone. Con solo 22 años llegó a encontrar una vulnerabilidad de iOS que le permitía acceder a millones de iPhone y iPad, aunque la compañía no lo quiso reconocer.
Un hacker que comenzó atacando a Apple y acabó contratado por una gran empresa
Obviamente, con una información tan preciada como es un fallo de seguridad, el hacker no dudó en ponerse en contacto con Apple, tal y como explica la Agencia Nacional del Crimen de Reino Unido. Este organismo, tras apuntar a que Albayrak pertenecía al grupo de hackers 'La Familia Turca', también reconoció que chantajeó a Apple con esta vulnerabilidad no conocida.
Para poder dar la información sobre este error el hacker decidió pedir a Apple 75.000 dólares en efectivo y 100.000 en tarjetas regalo de iTunes, aunque posteriormente esta oferta cambió a solo 100.000 dólares en metálico. Para sorpresa de nadie, Apple no respondió a estas amenazas y se limitó a interponer una demanda por este chantaje que estaba sufriendo, así como por amenazas por parte del grupo de hackers.
Como resultado de este chantaje, la justicia condenó al hacker a dos años de prisión e incluso la prohibición de acceder a las redes sociales. Pero pese a ello, los conocimientos que tiene este hacker son realmente preciados por cualquier tipo de empresa, y hace que tras destacar en el mundo judicial por sus actos fuera llamado por empresas de ciberseguridad.
Precisamente cuatro años después del chantaje a Apple se encontró que OPAC Global había decidido ir a por este hacker y ofrecerle el puesto de director. Una compañía que está destinada a combatir el fraude financiero. De esta manera, algo que comenzó como un ataque directo a Apple para lograr miles de dólares acabó con una reinserción en una gran compañía centrada en la ciberseguridad.
Vía | Applesfera
Imágenes | Kenny Eliason
En Genbeta | Alcasec es el hacker que decía conocer datos del 90% de los españoles, pero ha habido muchos otros más peligrosos
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
Foto de familia de los TW-EF3A en los cuatro colores en los que están disponibles: negro, verde, gris claro y rosa – Yamaha
Desde siempre he usado auriculares intraaurales sin mayor problema. Pero de un tiempo a esta parte me molestan cada vez más. Así que cuando leí la nota de prensa acerca de los auriculares intraaurales abiertos Yamaha TW-EF3A [página de producto en inglés; por alguna extraña razón no la hay en español] pregunté si me podían enviar unos para probar y así lo hicieron amablemente. Llevo usándolos varias semanas y estoy muy positivamente asombrado con la calidad de su sonido.
Que los TW-EF3A sean unos auriculares intraaurales abiertos quiere decir que se apoyan en la parte inferior interna de tus orejas pero sin meterse en el canal auditivo. Esto quiere decir también que ni de lejos te aíslan del exterior como unos intraaurales ni como unos supraaurales; los ruidos que te rodean siempre se van a colar en mayor o menor medida. Los más tenues ni los oirás, pero los más fuertes seguro que sí.
Esto tiene sus ventajas y sus inconvenientes. La ventaja principal –aparte de la comodidad de no llevar nada metido en el oído– es que estarás al tanto de tu entorno, lo que está muy bien si los llevas puestos por la calle. El principal inconveniente es, a la vez, que siempre estarás al tanto de tu entorno. Y que la música no suena al mismo nivel que con unos intraaurales o con unos supraaurales.
Otro inconveniente es que se te pueden caer mientras caminas tranquilamente por la calle. Me pasó una vez con el izquierdo y otra con el derecho. Así que aunque cumplen con los estándares IPX4 de resistencia al sudor y la humedad desde luego no los recomiendo para hacer ejercicio. Al menos nada que cause más movimiento que una bicicleta estática.
Aún así he de decir que los TW-EF3A serán pequeñitos, pues los transductores (altavoces) que montan son de tan sólo 13 mm, pero suenan impresionantemente altos y bien para su tamaño. Debe ser cosa de su construcción en titanio, lo que por lo visto favorece la reproducción de los tonos bajos, y de las tecnologías True Sound, que según el fabricante ofrece un buen sonido cargado de realismo, detalle y claridad y Listening Care, que permite disfrutar plenamente de la música incluso a niveles bajos de volumen. Por lo visto compensa las frecuencias altas y bajas que son difíciles de oír a niveles bajos de volumen y mantiene la gama sonora original de la música incluso a niveles bajos de volumen.
Sí, ya sé que ningún fabricante va a hablar mal de sus productos nunca. Pero en este caso compro todo eso que dicen: como dije al principio los TW-EF3A suenan espectacularmente bien para lo que son. O al menos para las expectativas que yo tenía. Por supuesto no crean el escenario sonoro de unos intraaurales o de unos supraaurales. Pero al menos lo intentan. Y la separación de canales es muy buena con sonidos muy claramente a la izquierda o a la derecha según toque.
Sí es cierto que al principio me dio la impresión de que los agudos eran demasiado restallantes y sibilantes. Pero es una sensación que desapareció muy pronto. No sé si porque al principio tenía los oídos un poco tontos o porque los auriculares necesitaban algo de rodaje.
Su respuesta de frecuencia, por si quieres el dato, va de los 40 a los 19.000 hercios, lo que es un poco menos que el rango auditivo de una persona. Al menos que del rango auditivo teórico. No quiero mirar el mío a estas alturas de mi vida.
Batería y conectividad
Cada auricular pesa 5,9 gramos y el estuche de carga añade 33 gramos más, así que el conjunto suma 45 gramos.
Completamente cargados los TW-EF3A tienen una autonomía de 10 horas. Los auriculares se cargan siempre en el estuche, no tienen ningún conector para ello. El tiempo de carga completa es de dos horas, mientras que diez minutos de carga les dan para una hora de reproducción.
A esas diez horas hay que añadir 16 horas más disponibles en el estuche cuando está completamente cargado. El estuche se carga vía USB-C y también necesita dos horas para ello. La caja incluye un cable USB-A a USB-C de 30 cm. Pero ningún adaptador de corriente. Tendrás que utilizar uno que ya tengas o conectarlo a un ordenador u otro dispositivo con un puerto USB libre. Puedes cargar los auriculares a la vez que el estuche.
Una cosa que no me gustó es que no hay manera de saber cuánta carga le queda al estuche sin poner los auriculares en él. El LED que tiene en su frontal y que indica la carga que le queda (20 % o más, menos del 20 %, o nada) sólo se enciende cuando los metes; no sirve con abrir la tapa.
Se conectan al mundo vía Bluetooth 5.3 multipunto con los perfiles A2DP, AVRCP, HFP y HSP y soportan los codecs SBC y AAC. Lo de multipunto quiere decir que puedes tenerlos emparejados y conectados a la vez con dos dispositivos como por ejemplo el ordenador y el móvil.
Lo de lo perfiles quiere decir que los puedes conectar prácticamente a cualquier dispositivo del mercado y que pueden controlarlo con los botones físicos –nada de cosas táctiles aquí– que incorporan, aunque eché en falta que tuvieran un sensor que detecte cuando te los quitas y que pare la música automáticamente. También quiere decir que puede funcionar como manos libres para el teléfono móvil.
Lo de los codecs, ambos con pérdida, quiere decir que por mucha calidad que tengan tus archivos de sonido, los TW-EF3A nunca la van a aprovechar a tope. Pero tampoco es su objetivo. Para escuchar Spotify son más que buenos.
También son muy buenos, por cierto, como manos libres. Los he usado todo este tiempo para contestar llamadas a mi móvil y nadie se ha enterado –o al menos nadie ha dicho nada– de que estaba usando unos auriculares. Que ya sabes que a veces la calidad de los micros de los auriculares deja algo que desear
Para esto los TW-EF3A incluyen una función llamada Clear Voice destinada a mejorar las bandas de frecuencias de la voz. Lo malo es que no se activa automáticamente al recibir una llamada, por lo que en el 90 % o más de las llamadas que contesté no la utilicé. Así que sí, la voz suena algo mejor con ella. Pero sin ella también suena muy bien. También la puedes utilizar cuando escuches música, a modo de ecualizador que potencia la voz.
También tienen un modo juego que hace que el audio y el vídeo suenen más sincronizados, lo que se supone que es útil al ver vídeos o jugar. Pero o bien no uso juegos muy exigentes –que probablemente– o no hay gran diferencia.
En fin, que estoy encantado con ellos. De hecho, aunque tengo unos auriculares intraaurales que objetivamente suenan mucho mejor, los he abandonado en favor de los TW-EF3A, que por 50 euros me parecen un chollo y absolutamente recomendables.
# Enlace Permanente
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
Ceres es el asteroide más grande de nuestro sistema solar. Fue descubierto en 1801 y catalogado como planeta, justo cuando Hegel dedicó su tesis a demostrar que había siete planetas girando alrededor del Sol.
Ahora degradado a planeta enano, Ceres es un cuerpo activo rico en hielo. Sin embargo, el único hielo expuesto en su superficie está en las trampas frías de los polos que la NASA observó en 2016. Ahora, los científicos han hecho un descubrimiento sorprendente sobre estos depósitos helados.
Qué son las trampas frías de Ceres. En 2016, la sonda espacial Dawn de la NASA, que había llegado al planeta enano el año anterior, estudió los numerosos cráteres en sombra de las regiones polares de Ceres, y descubrió depósitos de hielo brillantes en algunos de ellos.
Denominadas "trampas frías", estas cavidades similares a las de la Luna y Mercurio no reciben luz solar en todo el año, que dura 4,6 años terrestres. Pero ¿por qué solo unas pocas albergan depósitos de hielo?
No todas contienen hielo. Los científicos no tardaron en descubrir que el eje de rotación de Ceres oscila hacia adelante y hacia atrás cada 24.000 años debido a las fuerzas de marea del Sol y de Júpiter.
Cuando la inclinación del eje es alta, las estaciones son fuertes, y solo unos pocos cráteres permanecen en sombra durante todo el año. Estos son los cráteres que albergan depósitos de hielo.
Ahora sabemos que es hielo de agua. Un estudio reciente examinó la posibilidad de que otro tipo de hielo, además de hielo de agua, pudiera quedar atrapado en estos cráteres, como sucede en los polos de la Luna, cuyos cráteres son tan fríos que pueden almacenar incluso dióxido de carbono en forma de hielo seco durante miles de millones de años.
Las trampas frías de Ceres son lo suficientemente frías como para retener agua helada. En cambio, son demasiado cálidas para otros tipos comunes de hielo, señala el estudio. Esto se debe a que la inclinación del eje de Ceres, actualmente de 4 grados, es mayor que la inclinación de 1,5 grados de la Luna, por lo que los bordes de sus cráteres están más iluminados por el sol y dispersan más luz sobre el suelo.
Hielo sorprendentemente joven. El mismo estudio reconstruyó digitalmente la topografía de toda la región polar norte de Ceres. Los científicos usaron imágenes estéreo tomadas por la sonda espacial Dawn y lograron calcular incluso la elevación de los cráteres en sombra.
Luego realizaron cálculos de trazado de rayos para reconstruir la historia de las sombras en el suelo de estos cráteres, y llegaron a un resultado sorprendente: los depósitos de hielo deben haberse acumulado en los últimos 6.000 años, desde que los humanos estaban en la Edad del Cobre. Es poco tiempo para un cuerpo celeste de 4.000 millones de años.
Un par de posibles explicaciones. Cuando Ceres alcanza la máxima inclinación de su eje, lo que ocurrió por última vez hace 14.000 años, posiblemente ningún cráter permanece en sombra y el hielo se sublima.
"Un fragmento de un asteroide pudo haber chocado con Ceres hace unos 6.000 años, lo que pudo haber creado una atmósfera de agua temporal", explica Norbert Schorghofer, autor principal del estudio.
"Una vez que se genera una atmósfera de agua, el hielo se condensa en los fríos cráteres polares, formando los depósitos brillantes que todavía vemos hoy. Alternativamente, los depósitos de hielo podrían haberse formado por avalanchas de material rico en hielo que solo sobrevivió en los cráteres fríos en sombra".
Imágenes | Erwan Mazarico/GSFC, NASA
En Xataka | Demos un paseo por la superficie de Ceres gracias a esta maravillosa animación
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
No es ningún secreto que Akira Toriyama fue improvisando la saga de los Androides de Dragon Ball sobre la marcha. A su editor le pareció una mala idea que Goku y sus amigos se enfrentasen a dos enemigos ancianos con apariencias tan particulares como A19 y el A20 y tuvo que dar dos volantazos seguidos para reconducirlo todo hacia la creación de Cell, el bioandroide perfecto. Lo que nadie supo hasta décadas después es que en el proceso dejó pinceladas sueltas de una historia triste sobre Gevo, un soldado de alto rango de la Red Ribbon cuyo legado, como veremos, condenará y salvará el mundo.
Pongámonos solo un poquito en contexto: el viaje en el tiempo de Trunks (del futuro) alteró sutilmente los acontecimientos provocando una serie de efectos mariposa en la continuidad de Dragon Ball. En su mundo alternativo, dos jóvenes Androides con su propia energía ilimitada redujeron a escombros la superficie de la Tierra y casi lograron extinguir a la humanidad, incluyendo a los más poderosos guerreros.
Lo curioso es que cuando los Androides aparecieron en el presente no eran aquellos que habían arrasado su mundo. Pero ahora viene el giro: la única persona que reconoció a uno de ellos fue su madre Bulma. La identidad real del A20 era la del propio Dr. Gero, el retorcido científico de la organización militar Red Ribbon a la que Son Goku se enfrentó años atrás. Dicho de otro modo: aquella amenaza por parte de los Androides se trataba de algo personal.
Lo que Goku, Bulma o Trunks jamás llegaron a saber nunca es que el propio hijo de Gero tendrá un papel que jugar en el destino y que será resuelto por el poderoso Androide que se creó a su imagen y semejanza.
Un experimento no tan fallido capaz de destruir el mundo... O salvarlo
El Dr. Gero, el científico de la Red Ribbon que construyó todos los androides había pasado su propia mente a uno de éstos tras varios experimentos fallidos por diferentes circunstancias. Los A17 y A18 son humanos modificados y tenían demasiado poder. El Androide 8 (Ochito) se hizo amigo del pequeño Son Goku muchos años atrás. Y entre unos y otros, un androide A16 que el propio Dr. Gero consideró un experimento fallido. Uno muy diferente a todo lo que había creado antes.
Los A17 y A18 tienen nombre e historia anterior: Lapis y Lazuli fueron dos jóvenes hermanos rebeldes que fueron remodelados y convertidos en androides. Según vemos en el manga de Akira Toriyama, el propio Dr. Gero destruyó todos los androides anteriores (del 9 al 15) por considerarlos experimentos fallidos. Sin embargo, dejó inactivo y sin destruir al A16 pese a que, cómo él mismo dirá, era otro experimento que no salió bien y podría poner en riesgo al mundo. ¿Eso era cierto?
Tras destruir a su propio creador, los androides 17 y 18 despertaron al A16 y se encontraron una sorpresa: además de ser enorme en tamaño era de carácter tranquilo, respetuoso con todas las formas de vida y completamente pacifista. Es más, le molestaba que las batallas asustasen innecesariamente a los pájaros y los otros animales de las proximidades. ¿Cómo es que un tipo así podía destruir el mundo?
Gráfico de Toriyama explicando la creación de los Androides hasta la saga de Cell de Dragon Ball
A diferencia de los androides A17 y A18, el A16 no se creó con una base humana. Era todo circuitos y tecnología. Y, sin embargo, era el más humano de todos. Tal y como veríamos posteriormente, el A16 no estaba programado ni para la conquista mundial ni tampoco para servir a los fines de la Red Ribbon, sino para, llegado el momento, enfrentarse a Son Goku. Con lo que no será hasta mucho después que veremos que su nivel de fuerza estaba completamente por encima de todos los personajes hasta la entrada en escena de Cell. A un nivel casi inimaginable.
Dicho de otro modo: Gero creó un androide con una fuerza devastadora, pero sin ninguna intención de usarla para su causa salvo que Goku apareciese. Y pese a que en sus últimos momentos aseguró que el A16 era un experimento fallido, como todos los anteriores a él, se negó a destruirlo. El verdadero motivo: no podía porque en realidad aquel Androide era la viva imagen de un soldado fallecido al servicio de la Red Ribbon. Su propio hijo Gevo.
Cómo era Gevo, el modelo para el Androide 16
Ilustración de Gevo de Toyotaro, dibujante de Dragon Ball Super
Pese al inmenso poder del Androide A16, no tardó en verse superado por Vegeta, Trunks o el propio Son Goku. Lo singular aquí es que su aniquilación total, a raíz de un pisotón de Cell, será el detonante para que estallase la cólera de Son Gohan, elevase su fuerza más allá de los límites del Súper Saiyan y, finalmente, la Tierra y los animales que tanto le gustaban pudiesen salvarse. En cierto modo, cerrando el ciclo que el Dr. Gero había abierto años atrás. Hasta su reaparición en Dragon Ball FighterZ.
Técnicamente, el juego de Bandai Namco y Arc System Works no es estrictamente canon, pero el propio Akira Toriyama desarrolló cierto trasfondo para el mismo incluyendo la creación de la Androide 21 (A21). La cual, aparecerá en escena junto al propio A16 desatando un nuevo tipo de amenaza para los protagonistas.
Fotograma de Dragon Ball Super: Super Hero que establece la conexión entre Gero, Vomi y Gevo
Algunos años después, durante el estreno de Dragon Ball Super: Super Hero, se aclarará mejor la relación entre ambos y el Dr. Guero en una escena tremendamente reveladora.
- De manera oficial, se estableció que el androide A16 se creó basándose por completo en Gevo, el hijo fallecido del Dr. Guero y soldado de clase alta de la Red Ribbon.
- Mientras que la Androide 21 estaba basada en Vomi, la fallecida mujer del propio Dr. Guero, también afín a la Red Ribbon y, por extensión, la madre de Gevo.
Como curiosidad, los nombres de toda la familia del Dr. Gero siguen un patrón: en japonés "gero" es un coloquialismo que referencia al sonido de náuseas al regurgitar, y la palabra "gevo" directamente es vómito en español, como ocurre en inglés con el "vomit" de la Androide 21.
Pese a que en el anime y los videojuegos hemos visto a la Androide 21, a la verdadera Vomi la pudimos conocer en una de las historias de Dragon Ball Z: Kakarot, mostrándose como una brillante científica que había contratado recientemente la Capsule Corporation e incluso hizo modificaciones y mejoras a la cámara de alta gravedad en la que entrenó Vegeta en la Tierra.
La auténtica Vomi en su etapa para la Capsule Corporation
Dicho de otro modo, en la obra de Toriyama no se había hecho ninguna mención previa a ésta. Y no se le dio importancia a la familia del Dr. Gero hasta pasados 20 años desde el final del manga. Y sí, pese a que la Androide 21 aparece en los juegos y series de Dragon Ball, Vomi es completamente canon. Lo cual nos lleva a nuestro punto de inicio: ¿Cómo era Gevo?
Sobra decir que el hijo humano que el Dr. Gero usará como modelo para el androide 16, también es canon en Dragon Ball y el propio Toriyama habló de él en el pasado: se trató de un militar de alto rango dentro de la Red Ribbon con nombre en clave Gold. En DBZ: Kakarot fue descrito como una persona audaz y temeraria y en una entrevista para Dragon Ball Z Full Color del propio Toriyama se confirmó que falleció tras recibir una bala de durante un ataque contra una fuerza enemiga.
Pero ahí no acaba la cosa: pese a que no está claro que Gevo amase la naturaleza, el Dr. Gero no solo lo programó para ser el más fuerte y enfrentarse a Goku, sino que lo hizo intencionadamente no-agresivo para que no resultase dañado en batalla. Sin embargo, y en caso de extrema necesidad, añadió una potente bomba a su cuerpo.
De izda. a dcha.: El Dr. Gero, el A16, el Dr. Hedo y la A21
El Androide 16 fue destruido, pero Son Gohan cumplió su promesa de proteger la Tierra y los animales. Con el paso de los años, el hijo de Goku también abrazó su lado científico y pacifista e incluso llegó a descuidar su entrenamiento... Hasta Dragon Ball Super: Super Hero. La película que cerrará el ciclo de la familia del Dr. Gero y supondrá el principio del fin de la Red Ribbon. Un filme en el que, tras el sacrificio de un androide y con la humanidad en peligro Gohan despertará un nuevo poder.
Y lo más curioso de todo: el Dr. Hedo, el nieto de Guero y Vomi de su segundo hijo, acabará sumando su talento al de la Capsule Corporation. Como su abuela mucho antes que él. Solo que con un detalle especial que adquiere un sentido especial: como se ve en Dragon Ball Super: Super Hero, y a diferencia de su tío Gevo, el cuerpo de Hedo fue modificado para ser a prueba de balas. Definitivamente, Akira Toriyama no dejó cabos sueltos ni daba puntada sin hilo.
En VidaExtra | Qué son las versiones Xeno de Dragon Ball, las fusiones, variantes y transformaciones oficiales de los héroes y villanos de Toriyama
En VidaExtra | Dragon Ball tiene los días contados, pero eso jamás fue un problema para Son Goku
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
El 25 de abril de 1998, la presa minera de Aznalcóllar reventó liberando más de cinco millones de metros cúbicos de lodos tóxicos y casi dos de aguas ácidas a las puertas de Doñana. Han pasado casi 20 años, pero el fantasma del que fue uno de los mayores desastres de Europa, sigue tan vivo como el primer día.
Porque, según cuenta la prensa andaluza, la Junta de Andalucía quiere aprobar el vertido de 80.000 millones de litros de aguas tóxicas procedentes de la misma mina de forma escalonada durante los próximos 18 años.
¿Qué quieren hacer? Para ello, se pretende terminar una tubería de 30 kilómetros que saldría del reciento minero de Aznalcóllar; atravesaría los municipios de Sanlúcar La Mayor, Valencina, Olivares y Salteras; y llegar al río Guadalquivir a la altura del Estadio Olímpico de la Cartuja. Muy cerca de una zona de espacial conservación del estuario del río.
Es una parte esencial del proyecto de reapertura de la mina que negocia la Junta con dos grupos mineros y que, según explicó el consejero de Política Industrial y Energía, avanza "en la dirección que pensamos idónea".
¿Por qué es esencial? Porque no se trata solo de construir un sistema de evacuación de las aguas que genere la mina (unos 2.600 millones de litros anuales, según la mina; 4.000 millones, según la Junta), sino que hay que hacer un vertido inicial con los 17.520 millones de litros que ahora mismo hay acumulados aguas arriba (y que, en muchos casos, llevan ahí desde 1998).
Esto último, según los planes de la mina, se haría en 18 meses.
Pero ¿agua sin depurar? No, claro. Según el proyecto se iniciarán toda una batería de proceso de depuración. Sin embargo, los ecologistas no tienen claro que los altísimos niveles de metales pesados (Arsénico, Cadmio, Cobre, Cromo, Mercurio, Níquel, Plomo, Selenio o Zinc) que llevan acumulados allí casi 20 años vayan a conseguir neutralizarse fácilmente.
Y las consecuencias de la contaminación del estuario del Guadalquivir puede ser terrible: no solo pondría en riesgo la biodiversidad de la zona (algo ya de por sí muy problemático), sino que se pondría en aprietos la seguridad alimentaria de los arrozales y comprometería la pesca en todo el golfo de Cádiz.
La casilla de salida. Una y otra vez, Andalucía vuelve a la casilla de salida. Al menos: en lo que se refiere a sus espacios naturales. Si durante los últimos años, la gran polémica han sido los regadíos en Doñana, ahora parece que le toca el turno a Aznalcóllar. Y eso que hablamos de una de las regiones más amenazadas del país.
Todo parece indicar que el proyecto se aprobará. Con medias extra y mucha polémica, pero se aprobará porque la intención de la Junta es hacerlo. Y eso solo significa que, más pronto que tarde, volveremos otra vez a la verdadera casilla de salida: tener que decidir cómo queremos gestionar el país y tener que aumir que esa decisión tiene consecuencias.
Imagen | Kallerna
En Xataka | Doñana se queda sin agua: las imágenes de Copernicus que muestran el drama de la sequía en España
-
Publicado el 18/04/2024 por Diario Tecnología
Artículo original
Tras varios años de negociación, un hito histórico para el mercado laboral chileno entrará en vigor el 26 de abril: la Ley de 40 horas. La nueva norma marca la regulación para la reducción de la jornada laboral en el país andino, pasando progresivamente de las 45 horas semanales que se trabajan en la actualidad al objetivo de 40 horas prevista para 2028.
Esta reducción de jornada afectará al grueso de la población activa de Chile, pero la Ley de 40 horas tendrá algunas excepciones que dejará a un determinado sector de la población fuera de esta normativa.
Un recorte progresivo. Como se indica desde el portal del Gobierno de Chile, el 26 de abril de 2024 se da el pistoletazo inicial a la progresiva reducción de la jornada que pasará de ser de 45 horas a la semana, a 44 horas durante el primer año de vigencia de la normativa. El número de horas semanales bajará de nuevo a 42 horas semanales a partir del 26 de abril de 2026, que volverá a bajar de nuevo hasta las 40 horas a partir del 26 de abril de 2028.
Si la empresa no respeta la reducción de la jornada laboral a 44 horas (cualquiera de los recortes siguientes) establecidos en el Código del Trabajo, los empleados podrán presentar una denuncia ante la Inspección del Trabajo o ante los Tribunales del Trabajo
Registro de jornada para asegurar su cumplimiento. Para asegurar que las empresas aplican la reducción de jornada a sus plantillas, deberán implementar sistemas de registro de jornada y estarán obligados a llevar un libro de asistencia del personal, un reloj con tarjetas de registro de entrada y salida o un sistema electrónico equivalente.
Dentro de ese registro de jornada, el artículo 34 del Código del Trabajo indica que la hora de la comida no está incluida dentro de esa jornada reducida, aunque lo considera un derecho adquirido. Por lo tanto, quienes ahora trabajan 45 horas semanales con una hora diaria para comer incluida, no verán reducida su jornada pues será de 40 horas de trabajo y cinco horas para comer.
Reducción de jornada sin recorte salarial. La nueva ley que entrará en vigor en unos días, asegura que no habrá disminución de los salarios como consecuencia de la reducción de la jornada laboral. De nuevo, si los empleados experimentan un recorte salarial no justificado o basado en este recorte de la jornada deberán presentar una denuncia ante la Inspección de Trabajo o los Tribunales de Trabajo.
Quién se queda fuera de la reducción de 40 horas. La nueva normativa afecta a los empleados que tengan una relación laboral como asalariado con contrato contemplado en el Código de Trabajo. Aquellos profesionales independientes que se rijan por el sistema de boletas a honorarios no verán reflejada esa reducción de jornada dado su carácter temporal y esporádico.
Tampoco se acogen a la nueva normativa de 40 horas semanales los funcionarios públicos, gerentes, administradores, apoderados con facultades de administración, empleados en actividades pesqueras o los deportistas profesionales ya que estos tienen su propia regulación de jornada.
Margen para la conciliación familiar y la flexibilidad. La nueva jornada laboral chilena estable un nuevo marco para la conciliación familiar permitiendo a los progenitores con hijos menores de 12 años adaptar la hora de entrada y salida para la corresponsabilidad parental.
Por otro lado, la Ley de 40 horas también contempla que empleado y empleador puedan acordar compactar las horas semanales (en 2028) en una jornada laboral de cuatro días en lugar de en cinco, suponiendo un indudable avance hacia un cambio positivo en la cultura laboral de Chile.
En Xataka | México es uno de los países que más horas trabaja del mundo. Ahora va a reducir su jornada de 48 horas a 40
Imagen | Pexels (aboodi vesakaran, Danial Abdullah)
-
Página Siguiente
